Sono moon 개인전 2026

Exhibition Period

2026. 07. 02 – 07. 16

Collast Seongsu

Opening Hours 12:00 – 19:00

※ Closed on Sundays, Mondays and public holiday

"The Great Clod breathes out, and its breath is called the wind." As Zhuangzi wrote, to the ancients the earth was a single breathing body — and the first principle East Asian painting theory demanded of a picture was qiyun shengdong (氣韻生動): does the painting breathe?

This exhibition sets that ancient proposition before us in canvases of 400 and 480 ho, each stretching over five metres. Before surfaces that exceed the field of vision, viewing becomes an act of entering rather than looking. Lee Jaeyual's Sansoomong is an emotional terrain built stroke upon stroke, like inhalation and exhalation; the night sea of Youngjae's We Met Again II is a painting of mourning, its darkness filled by hand in tens of thousands of graphite strokes — and upon it, a whale and a cat meet again. Between these two vast paintings, Seo Yeon's golden fields are where the exhibition catches its breath.

All three artists layer — slowly, again and again. The awe we feel before these paintings comes not from their size but from the weight of accumulated breathing. For a moment, lay your own breath over theirs.

Where is your place, now?

"거대한 땅덩어리가 숨을 내쉬니, 그 이름을 바람이라 한다." 『장자』「제물론」의 말처럼, 옛사람들에게 대지는 숨 쉬는 하나의 몸이었고, 동양의 화론이 그림에 요구한 제1원칙 또한 기운생동(氣韻生動) — 화면이 살아 숨 쉬는가 — 였다.

이번 전시는 그 오래된 명제를 400호와 480호의 화면들로 마주 세운다. 시야를 넘어서는 화면 앞에서 관람은 바라보는 일이 아니라 들어가는 일이 된다. 이재열의 〈산수몽〉은 준법의 선을 들숨과 날숨처럼 거듭 포개어 쌓은 감정의 지형이고, 영재의 〈우린 다시 만났어 II〉의 밤바다는 흑연을 손으로 수만 번 채워 넣은 애도의 화면이다 — 그 위에서 고래와 고양이가 다시 만난다. 두 거대한 화면 사이, 서연의 황금빛 들판은 전시가 숨을 고르는 자리다.

세 작가는 모두 겹겹이, 천천히, 쌓는다. 우리가 화면 앞에서 느끼는 압도는 크기가 아니라 그 호흡이 축적된 시간의 무게에서 온다. 그 호흡의 속도에 잠시 당신의 숨을 포개어 보시길.

당신의 장소는, 지금 어디에 있는가.

Exhibition Introduction

Vast Breath, Quiet Haven

"The Great Clod breathes out, and its breath is called the wind." So wrote Zhuangzi in the Discussion on Making All Things Equal. To the ancients, the earth was not inert matter but a single breathing body. Wind was the sound of that breath passing through valleys and hollows — and the first principle that East Asian painting theory demanded of a picture was qiyun shengdong (氣韻生動): does the painting breathe? Likeness of form came second. First, there had to be breath.

This exhibition sets that ancient proposition before us in monumental form — canvases of 400 and 480 ho, stretching more than five metres across. Such scale is not merely a matter of large paintings. Before a surface that exceeds the field of vision, viewing is no longer an act of looking but of entering; we receive the painting not with our eyes but with our whole body. And the closer we approach, the clearer it becomes: this vastness was not made in a single breath.

Lee Jaeyual's Sansoomong (acrylic on canvas, 162×520cm, 2022) is a mountain built layer upon layer of acrylic, grounded in junbeop (皴法), the traditional texture strokes of East Asian landscape painting. Line folds over line like inhalation and exhalation until ridgelines emerge, while clouds and empty space drift across them like time itself. Before this terrain of sediment — of ink-tone, colour, and breath — we find ourselves walking into somewhere, listening to the sound of the earth breathing.

In Youngjae's We Met Again II (mixed media on hanji, 192×520cm, 2022), that breath reaches its greatest density. The dark night that governs the surface has been filled entirely by hand, in graphite, stroke after countless stroke. Each time the pencil grazes the hanji paper, the surface rises in a fine nap — until the whole painting becomes skin holding its breath. On that night sea, a whale and a cat meet again. This is the sea of Odo, the small island where the artist spent his childhood summers with his grandmother. The slow labour of filling darkness with tens of thousands of touches is itself an act of profound mourning — which is why this dark painting feels not cold but warm. It is the place where longing, passing through breath, has become matter.

Between these two vast paintings, Seo Yeon's work is where the exhibition catches its breath. Golden fields and a small container, built up in soft layers of paint on fabric, are landscapes that began in a childhood hiding place — somewhere to retreat alone when the world grew too heavy. Forms slowly blur at some unnameable boundary, and in that trembling between vanishing and remaining, the painting gives off its lowest, quietest breathing — like the stillness between a great inhalation and exhalation.

The three artists share a single method. The strokes of junbeop, the grain of graphite, the strata of colour and light — layered, slowly, again and again. This labour of repetition, filling the surface breath by breath rather than all at once, is the breath this exhibition speaks of. The vastness of a 400-ho canvas is the accumulated sum of that breathing — months of it, tens of thousands of gestures — and the awe we feel before these paintings comes not from their size but from the weight of that time.

In Hirokazu Kore-eda's film After Life, the dead choose a single memory from their lives and dwell in it forever. Perhaps a painting is something like that: a dwelling that arrives once the breathing is done. The mountain, the sea, the fields — only on the painted surface can they rest, without ever ceasing to breathe.

To draw in a vast breath, and to enter a quiet haven. This exhibition asks only one thing of its visitors: that for a moment, you lay your own breathing over the rhythm of these paintings.

And then, one question will remain.

Where is your place, now?

Text by. Lee Yeseul (Curator)

거대한 숨, 고요한 안식 Vast Breath, Quiet Haven

"거대한 땅덩어리가 숨을 내쉬니, 그 이름을 바람이라 한다(夫大塊噫氣其名爲風)." 『장자』「제물론」에 나오는 말이다. 옛사람들에게 대지는 죽은 물질이 아니라 숨 쉬는 하나의 몸이었다. 바람은 그 숨이 골짜기와 구멍들을 지나며 내는 소리였고, 동양의 화론이 그림에 요구한 제1원칙 또한 기운생동(氣韻生動) — 화면이 살아 숨 쉬는가 — 였다. 형상을 닮게 그리는 일은 그다음이었다. 먼저 숨이 있어야 했다.

이번 전시는 그 오래된 명제를 400호와 480호의 화면들로 마주 세운다. 이 크기는 단지 큰 그림을 뜻하지 않는다. 시야를 넘어서는 화면 앞에서 관람은 더 이상 바라보는 일이 아니라 들어가는 일이 되고, 우리는 눈이 아니라 몸으로 그림을 받아들이게 된다. 그리고 가까이 다가설수록 분명해진다. 이 거대함은 한 번의 호흡으로 만들어진 것이 아니라는 사실이.

이재열의 〈산수몽〉(162×520cm, 캔버스에 아크릴 채색, 2022)은 전통 산수화의 준법을 토대로 캔버스 위에 아크릴을 층층이 쌓아 올린 산이다. 선 하나하나가 들숨과 날숨처럼 거듭 포개지며 능선이 되고, 그 사이를 구름과 여백이 시간처럼 가로지른다. 묵색과 색채와 호흡이 퇴적된 이 감정의 지형 앞에서 우리는 분명 어딘가로 걸어 들어간다. 땅이 숨 쉬는 소리를 들으면서.

영재의 〈우린 다시 만났어 II〉(192×520cm, 한지에 혼합 재료, 2022)에서 그 숨은 가장 묵직한 밀도에 이른다. 화면을 지배하는 어두운 밤은 전부 흑연으로, 손으로, 수없이 반복해 채워진 것이다. 연필이 한지를 스칠 때마다 표면은 보풀처럼 미세하게 일어난다 — 화면 전체가 숨을 머금은 살갗처럼. 그 밤바다 위에서 고래와 고양이가 다시 만난다. 작가가 유년 시절 할머니와 함께 보낸 섬, 오도의 바다다. 수만 번의 손길로 어둠을 채워 넣는 이 느린 노동은 그 자체로 깊은 애도이며, 그래서 이 어두운 화면은 차갑지 않고 포근하다. 그리움이 호흡을 거쳐 물질이 된 자리이기 때문이다.

두 거대한 화면 사이에서 서연의 작업은 숨을 고르는 자리다. 천 위에 물감을 겹겹이 쌓아 올린 황금빛 들판과 작은 컨테이너 — 어린 시절 홀로 숨어들던 은신처에서 비롯된 풍경이다. 형태는 어느 경계에서 천천히 흐려지고, 사라지는 것인지 남아 있는 것인지 알 수 없는 그 떨림 속에서 화면은 가장 낮고 고요한 숨소리를 낸다. 거대한 들숨과 날숨 사이, 잠시 멈추는 순간의 정적처럼.

세 작가의 방법은 닮아 있다. 준법의 선을, 흑연의 결을, 색과 빛의 층을 — 겹겹이, 천천히 쌓는다. 한 번에 끝나지 않고 들이쉬고 내쉬기를 거듭하며 화면을 채워가는 이 반복의 노동이야말로 이 전시가 말하는 숨이다. 400호의 거대함은 그 숨이 수개월, 수만 번 축적된 시간의 총량이며, 우리가 화면 앞에서 느끼는 압도는 크기가 아니라 그 시간의 무게에서 온다.

고레에다 히로카즈의 영화 〈원더풀 라이프〉에서 죽은 이들은 생의 기억 가운데 단 하나의 장면을 골라, 그 안에서 영원히 머문다. 어쩌면 그림이란 그런 것인지도 모른다. 숨이 쌓이고 난 뒤에 찾아오는 거처. 산도, 바다도, 들판도 — 화면 위에서 비로소 호흡을 멈추지 않은 채 쉰다.

거대한 숨을 들이쉬고, 고요한 안식에 드는 일. 이 전시가 관람객에게 청하는 것은 단 하나다. 그 호흡의 속도에 잠시 당신의 숨을 포개어 보는 것.

당신의 장소는, 지금 어디에 있는가.

글. 이예슬 (큐레이터)

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